Silogismos de la amargura: Sobre la música

Nacido con un alma normal, le pedí otra a la música: fue el comienzo de desastres maravillosos…

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  Sin el imperialismo del concepto, la música hubiera sustituido a la filosofía: habría sido entonces el paraíso de la evidencia inexpresable, una epidemia de éxtasis.

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  Beethoven vició la música: introdujo en ella los cambios de humor, dejó que penetrara en ella la cólera.

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  Sin Bach, la teología carecería de objeto, la Creación sería ficticia, la nada perentoria.

  Si alguien debe todo a Bach es sin duda Dios.

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  ¡Qué son todas las melodías al lado de la que ahoga en nosotros la doble imposibilidad de vivir y morir…!

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  ¿Para qué releer a Platón cuando un saxofón puede hacernos entrever igualmente otro mundo?

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  Sin medios de defensa contra la música, estoy obligado a sufrir su despotismo y, según su capricho, a ser dios o guiñapo.

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  Hubo un tiempo en que, no logrando concebir una eternidad que pudiera separarme de Mozart, no temía la muerte. Lo mismo me sucedió con cada músico, con toda la música…

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  Chopin elevó el piano al rango de la tisis.

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  El universo sonoro: onomatopeya de lo inefable, enigma desplegado, infinito percibido e inaccesible… Cuando se sufre su seducción, ya sólo se concibe el proyecto de hacerse embalsamar en un suspiro.

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  La música es el refugio de las almas ulceradas por la dicha.

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  Toda música verdadera nos hace palpar el tiempo.

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  El infinito actual, paradoja para la filosofía, es la realidad, la esencia misma de la música.

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  Si hubiera sucumbido a los halagos de la música, a sus llamadas, a todos los universos que ella ha suscitado y destruido en mí, hace tiempo que, por orgullo, habría perdido la razón.

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  La aspiración del Norte hacia otro cielo engendró la música alemana —geometría de otoños, alcohol de conceptos, ebriedad metafísica.

  A la Italia del siglo pasado —feria de sonidos— le faltó la dimensión de la noche, el arte de exprimir las sombras para extraer su esencia.

  Hay que escoger entre Brahms o el Sol…

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  La música, sistema de adioses, evoca una física cuyo punto de partida no serían los átomos sino las lágrimas.

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  Quizás esperé demasiado de la música, quizás no tomé las precauciones necesarias contra las acrobacias de lo sublime, contra el charlatanismo de lo inefable…

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  De algunos andantes de Mozart se desprende una desolación etérea, como un sueño de funerales en otra vida.

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  Cuando ni siquiera la música es capaz de salvarnos, un puñal brilla en nuestros ojos; ya nada nos sostiene, a no ser la fascinación del crimen.

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  ¡Cuánto me gustaría morir por la música, como castigo por haber dudado de la soberanía de sus hechizos!


Emil Cioran 

Hay mucho más en la vida que la música.

"Nunca se conformen con lo que hacen ni con lo que logren.
Hay mucho más en la vida que la música.
Está el amor a los semejantes,
Está la literatura, está el mundo entero para vivir,
disfrutar, para profundizar.
Yo les recomiendo
que se hagan de una plataforma intelectual muy fuerte.
Después se podrán reír del arte y de la música."

Claudio Arrau

El Sol de los Compositores

Bach, en el centro del Sol, como regulador de la armonía genuina, es de quien toda la sabiduría musical procede.

Grabado del sol, representación de bondad y perfección con Bach en el centro, rodeado de otros compositores alemanes como sus rayos. Diseño del organista inglés Augustus Frederick Christopher Kollmann, publicado en 1799. Visto en Bach: Music in the Castle of Heaven.

Bach, el sol de los compositores

trivium et quadrivium

Rubinstein at 90 interview

“Hay algo que sale, que emana de mi, de mi emoción, no de mi, del sentimiento...
Este algo, déjeme llamarlo alma de momento -si le parece bien - proyecta algo que yo siento..
De repente pone al público en mis manos.
Hay un momento en que los siento a todos aquí. Puedo hacer cualquier cosa. Puedo retenerlos con una notita en el aire y no respirarán porque van a esperar a ver qué pasa después.
Eso es un gran momento. No siempre sucede, pero cuando sucede es un gran momento en nuestras vidas”

Artur Rubinstein, half blind but as vibrant and eloquent as ever, on the greatest pianists (deemed a stupid question) and much more. Interviewed by Robert MacNeil. 

*With Spanish subtitles.

Philharmoniker Fan

Motetes. Amor Sacro

El motete es una de las formas musicales más importantes de la música polifónica desde el S.XIII hasta el XVIII, aunque posteriormente se siguieran componiendo pero en menor medida y de una forma independiente.

En los siglos XIII y XIV, el motete constaba de una serie de variaciones polifónicas sobre un Canto dado o Cantus Firmus. Este cantus firmus era una melodía ya existente, de origén generalmente litúrgico, y sobre el que se basaba la composición polifónica. Sobre este cantus firmus, de línea melódica amplia y severa, se contraponía una nueva melodía con otro texto, más amplia y variada, que se conocía con el nombre de tropo.

Por tanto, se denominaba motete a la voz que hacía un contrapunto sobre el rígido esquema del cantus firmus, a modo de discanto o diafonía. El cantus firmus poseía un texto corto, mientras el discanto contenía un texto con más palabras. El texto utilizado estaba escrito en Latín sobre un salmo o pasaje de las Sagradas Escrituras.

Posteriormente, el motete se convirtió en una obra vocal polifónica a capella, con un carácter dramático e imitativo. Es evidente la evolución manifiesta que se produjo en el motete, desde las primeras obras de Perotín, pasando por Palestrina, Orlando di Lasso y T.L de Victoria, hasta llegar a los compositores románticos.

"Motet" en la época de Vivaldi se utilizó con mayor precisión que en los últimos tiempos: para denotar elementos extra o no litúrgicos compuestos en una variedad más amplia de textos que la liturgia concebida y jugada en medio de los elementos estrictamente litúrgicos. Algunos motetes se sustituyeron por antífonas y se cantaron en momentos en que el servicio se encontraba en un hiato o pausa, como la elevación del host, como para subrayar o enfatizar un climaterio. Los motetes eran frecuentes para los dos días especiales del año, el día de la fiesta de la iglesia, por ejemplo; y en cualquier momento apropiado. A comienzos del siglo XVIII, los solos motetes se hicieron populares y fueron una forma aceptada de mezclar el digno latín en el que se construyeron los textos con el tenor a menudo bastante florido, generalmente idílico, de la poesía secular y vernácula contemporánea.

Vivaldi invariablemente usó la fórmula comúnmente aceptada de una ABa da capo aria seguida de un breve recitativo, una segunda da capo aria en una tecla de contraste y concluyendo con un allegro "Aleluya".

"Fórmula" es casi la palabra. Estas actuaciones, al menos, no ponen el miedo a Dios ni la inspiración del Diablo en nadie. Y esas son cosas que Vivaldi puede hacer cuando la necesidad está presente. Pero la música que se realiza aquí no es peor por un poco de eufemismo. Se cree que Vivaldi comenzó a escribir tales motetes a mediados de la década de 1710, cuando fue empujado al papel de maestro de coro en el Ospedale della Pietà en Venecia después de que el titular oficial huyera a Roma. Pero estos son trabajos de más adelante en su carrera y, aunque son variados y competentes, musicalmente muy agradables y melodiosos, tienden a carecer de esa llamarada opulenta del Vivaldi más violento y al mismo tiempo sutil. Dicho eso, el canto de Kermes los aprovecha al máximo. Su voz en el segundo aria, "Resplende, bella" (la pieza más larga en este disco a 7¾ minutos) de In turbato mare irato es nada menos que deslumbrante; la forma en que negocia el siguiente "Aleluya" espectacular, aunque un poco entrecortada.

Los motetes son, sin embargo, dramáticos y nunca se fatigan. Los movimientos exteriores más rápidos de Sum in medio tempestatum comparten una calidad dramática deliciosa con el mundo de la ópera en el que, por supuesto, Vivaldi estuvo inmerso en la década de 1730. La metáfora es el alma atribulada en aguas tormentosas que anhelan la calma y la paz. Una vez más, Kermes se acerca a ellos con entusiasmo, aunque su melodía pura y tónica como pura (con mucha variedad en dinámica) a veces parece apresurada, como si su motivación fuera más trabajo que devoción. La emoción es en gran medida la fuerza motriz de esto y en turbato mare irato habría sido bienvenido más fervor y compromiso. No es que su articulación pueda fallar. En las palabras "suspirando, lacrimando" (suspirando, llorando) un poco más de reconocimiento, no tanto como para que esta soprano sea mejor llorar, ya que estas reacciones universales habrían sido bienvenidas. Aunque no existe la obligación de rendir tanto homenaje a la arquitectura de los motetes como lo haría en las óperas de Vivaldi, hay una sensación persistente de que, por muy bueno que sea el ataque y sostenimiento de cada aria y recitativo, Kermes en particular no está completamente pensando en el trabajo como un todo a medida que avanzan estos movimientos.

Una cantante consumada, este es el primer disco en solitario de Kermes, no es que su enfoque sea crudo, quizás demasiado cauteloso. Tiene el poder de asombrar, eso está claro tanto por las otras grabaciones en su haber y la belleza de su canto aquí. Solo que daríamos la bienvenida a más carreras, solo un toque más garbo de ella. La ejecución del Barroco de Venecia es alegre, aunque tal vez no lo suficientemente alegre, alegre, aunque tal vez no lo suficientemente alegre. Tienden a seguir en lugar de acompañar a Kermes. ninguno de los dos está retrasado, ni se siente fuera de contacto ni simpatía con la música: eso es evidente por la forma en que se lleva a cabo el "aleluya" final, que llega a un abrupto final. Uno no se queda insatisfecho.


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Los sonidos del lenguaje. Soneto Fonético

Soneto fonético

Las guturales gritos emitieron,

las nasales lamentos murmuraron,

las labiales amor manifestaron,

las palatales, al llorar, gimieron.

Cacuminal la lucha fue, mordieron

las dentales los labios, y sangraron;

sinalefas la herida religaron,

las cuerdas la tensión no resistieron:

Sonó en los ámbitos acento fuerte

y firme entonación comenzó a alzarse...

¡Ah, clamoroso amor, oírte y verte!

Mas, ¡ay! saber es reto de la suerte:

la espina de la yod empieza a hincarse, 

ya tu sílaba, amor, diptonga en muerte.

Juan M. Díez

El lenguaje
George Yule
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